Muro - Telon de Acero

I madrileni Muro nacquero nel quartiere Vallecas della capitale spagnola nel 1984 e la loro carriera discografica iniziò in modo atipico. Dopo la realizzazione di alcuni demo (nell'83, nell'84 e nell'86) pubblicarono il loro primo album live intitolato Acero y Sangre nel 1986 e solo nel 1988 diedero alle stampe il loro primo album in studio intitolato Telon de Acero. Con i loro primi dischi i Muro furono i primi a portare lo speed metal di stampo aglosassone, sul modello di Motorhead o Judas Priest, in Spagna e il loro esempio fu poi seguito da altre band iberiche come gli Angeles del Infierno o i baschi Su Ta Gar.

Il primo album in studio del gruppo è caratterizzato da un robusto speed metal basato sul suono veloce e forte delle chitarre e della sezione ritmica che ricorda molto il periodo di Ram It Down dei Judas Priest ed è contraddistinto dalla potente voce del cantante Silverio Solorzano, detto Silver, dotata di una notevole estensione. Inoltre nella maggioranza dei brani i ritornelli sono arricchiti da massicci cori eseguiti dall'intera band che rendono i brani stessi particolarmente energici e trascinanti. Tra i pezzi migliori spiccano la title track che si trova in apertura e che si apre con chitarra e campana a morto e poco dopo da un notevole scream di Silver che mostra le sue doti canore già dai primi giri del disco. Oltre a questa spiccano anche Extraño Poder, Juicio Final e Holocausto. Tra i brani notevoli va segnalata anche Solo en la Oscuridad che dura oltre cinque minuti e che inizia come una ballad con un arpeggio di chitarra ad accompagnare la voce del cantante per poi riprendere la strada dello speed metal dopo un minuto e mezzo.

Dopo Telon de Acero la band incise nel 1989 l'album Metal Hunter in cui ripropose i pezzi di Acero y Sangre tradotti in inglese, ma rinunciando alla loro lingua madre i brani persero un po' della loro originalità. Da allora la carriera dei Muro è continuata lungo la strada dello speed metal per oltre tre decenni e nonostante la band abbia visto numerosi cambi di formazione è ancora pienamente attiva. Dopo l'uscita dell'ultimo album nel 2013 intitolato El Cuarto Jinete anche Silver dovette lasciare il gruppo ed essendo sostanzialmente insostituibile la band prese la coraggiosa decisione di assoldare una donna, Rosa Pérez (ex cantante dei Black Shark), come vocalist in modo che ogni tipo di confronto con il passato fosse impossibile. La Perez ha già intrapreso con la band alcune esibizioni da vivo e la sua voce potente e graffiante suona decisamente adatta alla musica dei Muro. Attendiamo quindi i prossimi album, le premesse per credere che la nuova cantante sarà all'altezza del passato sono molto buone.

Capital Inicial - Rosas e Vinho Tinto

I Capital Inicial nacquero nel 1982 a Brasilia e pubblicarono il loro primo ed eponimo album quattro anni più tardi. Dopo due album di stampo new wave e post-punk il suono della band si spostò verso il pop tipico di quel decennio con l'album Você Não Precisa Entender e in seguito verso un rock più robusto, in cui le tastiere venivano sostituite dal suono delle chitarre, a partire da Todos os Lados del 1990. I cambi di rotta portarono alla band a un calo del consenso riscosso tra i fan e del volume delle vendite, lo scarso successo portò anche il cantante Dinho Ouro Preto a lasciare il gruppo. Con il nuovo cantante Murilo Lima la band incise un solo album in studio intitolato Rua 47 nel 1995 dalle sonorità più grunge e hard rock rispetto al passato, ad esso seguì il live Capital Inicial: Ao Vivo e nel 1998 anche Lima lasciò il gruppo e il posto di cantante venne di nuovo preso da Dinho Ouro Preto. Con il rientro del cantante storico il gruppo svoltò di nuovo verso un rock-pop che a tratti tende verso l'hard rock e la scelta si rivelò vincente perché i Capital Inicial tornarono anche al successo commerciale e di pubblico.

Il secondo album successivo al ritorno di Ouro Preto segnò anche il ritorno del gruppo a una major con il passaggio dalla brasiliana Abril Music alla Sony, uscì nel 2002 ed è intitolato Rosas e Vinho Tinto. Il disco si apre con la graffiante 220 Volts, uno dei pezzi più duri della produzione dei Capital Inicial, e prosegue con l'ottima À Sua Maneira, cover di De Música Ligera dei Soda Stereo tradotta in portoghese; il brano dei Soda Stereo è proposto anche in versione originale con il testo in spagnolo come bonus track in alcune edizioni del CD. Il resto dell'album è caratterizzato da un pop rock veloce, allegro e divertente e tra i pezzi spiccano Quatro Vezes Você, Mais e Como Devia Estar. Nel disco troviamo anche due ballad: Olhos Vermelhos presente anche in versione acustica come bonus track e la bellissima e sognante Isabel che chiude il disco.

A distanza di oltre trentanni dalla loro fondazione i Capital Inicial continuano a sfornare album in studio e live, l'ultimo dei quali registrato in acustico a New York è stato pubblicato nel 2015, e non sono un caso isolato nel panorama rock brasiliano che con gruppi come i Barão Vermelho o i Legião Urbana (band sorella dei Capital Inicial in quanto entrambi nati dalle ceneri degli Aborto Elétrico) è davvero ricco ma purtroppo poco noto al di fuori della propria nazione per via delle barriere linguistiche.

Anthrax - For All Kings

Il 2016 segna il ritorno del newyorkesi Anthrax che non hanno certo bisogno di presentazioni essendo tra i più celebri, e forse i migliori in assoluto, esponenti del thrash metal. Il nuovo album For All Kings è il secondo dopo il rientro nella formazione del cantante storico Joey Belladonna ed è stato anticipato dall'uscita di due singoli nei mesi precedenti la pubblicazione dell'album intero. Il primo di essi Evil Twin, ispirato agli attentati terroristici e alle sparatorie di massa avvenuti nel 2015, è stato pubblicato nell'ottobre dello scorso anno e con il suo suono graffiante e tipicamente thrash si ricollega molto alle sonorità del precedente Worship Music; ma è con il secondo singolo Breathing Lightning, pubblicato a gennaio, che la band ha dato una prova distintiva del proprio cambio di rotta che avrebbe trovato conferma nel resto dell'album. For All Kings è infatti incredibilmente melodico se paragonato a tutti gli album precedenti degli Anthrax.

Che il gruppo di Scott Ian fosse coraggioso e che spesso sconfinasse in altri generi è noto da tempo: sono stati tra i precursori del rap metal nel 1991 con Bring the Noise in collaborazione con i Public Enemy e due anni dopo si sono cimentati con successo nel grunge con l'album Sound of White Noise, e ora nel 2016 a oltre trent'anni dall'esordio sembrano volersi cimentare con il prog. Infatti brani come You Gotta Believe, con i suoi incredibili e imprevedibili cambi di tempo, Monster at the End, Defend Avenge o All of Them Thieves sono molto più ricchi di melodie e virtuosismi di ogni altra produzione passata degli Anthrax. Tra gli altri brani spiccano anche Blood Eagle Wings che è notevolmente lento rispetto a ciò a cui la band ci ha abituato e sembra voler riportare alla sonorità grunge del 1993 e Zero Tolerance che insieme alla già citata Evil Twin è la più tradizionale tra le tracce del disco con il suo ritmo tipico del thrash. In tutte le tracce Joey Belladonna dimostra di essere ancora al vertice delle proprie capacità vocali, sia per potenza che per estensione, o forse di averlo appena raggiunto perché dal punto di vista vocale questo album non è secondo a nessuno tra gli altri della discografia degli Anthrax.

For All Kings è stato stampato anche in versione deluxe con l'aggiunta di quattro pezzi storici della band, Fight 'Em 'Til You Can't, A.I.R., Caught in a Mosh e Madhouse, registrati dal vivo.

In ultimo va notata la bellissima e scherzosa copertina realizzata da Alex Ross che in turbinio di colori proveniente dal logo illuminato sullo sfondo vede le band ritratta come statue di santi o profeti adorati dai propri fans.

For All Kings è un grande album ed sicuramente uno dei migliori dischi che la band newyorkese abbia mai realizzato, che metterà d'accordo i fan del thrash ma anche chi si aspettava dal gruppo sonorità nuove, e soprattutto mostra che a trentadue anni da Fistful of Metal la qualità della musica degli Anthrax e la loro creatività non sembrano minimamente calare.

The Blues Brothers: Music from the Soundtrack - Gli originali

The Blues Brothers del 1980 è uno dei film musicali più celebri della storia del cinema grazie ai suoi iconici protagonisti, magistralmente interpretati da Dan Aykroyd e dal compianto John Belushi, e alla colonna sonora ricca di brani diventati negli anni dei veri e propri cult interpretati con ospiti leggendari come John Lee Hooker, James Brown e Ray Charles.

Non c'è nessuno che non conosca She Caught the Katy o Gimme Some Lovin' cantate dai due fratelli della finzione cinematografica e dalla Blues Brothers Band, ma ciò che forse molti non sanno è che nessuno degli undici brani che compongono la colonna sonore ufficiale è inedito: si tratta infatti di altrettante cover di pezzi storici del soul, del rock and roll e ovviamente del blues.

Ignorare da dove sono stati tratti questi brani significa ignorare la tradizione da cui i Blues Brothers hanno attinto e non si può cogliere appieno la grandezza di questo film se non conoscendo quali sono i musicisti a cui la band si è ispirata.

Vediamo allora di seguito da dove sono tratti gli undici brani che Jake ed Elwood con la loro band hanno reinterpretato e personalizzato.

• She Caught the Katy: brano scritto dal Yank Rachell e Taj Mahal per l'album The Natch'l Blues di quest'ultimo pubblicato nel 1968. Da allora vanta numerose cover di cui molte eseguite proprio da Taj Mahal con diversi ospiti.
• Peter Gunn Theme: brano strumentale composto da Henry Mancini per l'omonima serie televisiva nel 1959. Anch'esso è stato reinterpretato numerosissime volte, tra le versioni più famore ricordiamo quella degli Emerson, Lake & Palmer e quella degli Art of Noise.
  
• Gimme Some Lovin': pezzo degli Spencer Davis Group pubblicato nel 1966; nonostante sia stato scritto da tutti e tre i membri del gruppo sui dischi della band il brano è accreditato solo a Steve Winwood, mentre nella colonna sonora di The Blues Brothers l'informazione è riportata correttamente. La canzone prende in prestito il riff di (Ain't That) A Lot of Love di Homer Banks uscita lo stesso anno.
  
• Shake a Tail Feather: canzone del gruppo soul Five Do-Tones uscita nel 1963 e utilizzata nel 1988 per la colonna sonora del film Hairspray (Grasso è bello nella versione italiana).
  
• Everybody Needs Somebody to Love: forse il pezzo più famoso tra quelli eseguiti dai Blues Brothers, l'originale è di Salomon Burke e risale al 1964. Anche la parte parlata all'inizio del brano è presente nell'originale, così come nella versione del film.
  
• The Old Landmark: brano gospel tradizionale inciso per la prima volta nel 1949 con arrangiamento di Virginia Davis. Secondo alcune fonti sarebbe stato scritto da William Herbert Brewster, secondo altre da Adeline Brunner (sulla colonna sonora del film è attribuito proprio a quest'ultima). Nel film è eseguito da James Brown con il James Cleveland Choir e cori di Chaka Khan.
  
• Think: il brano è stato originariamente inciso da Aretha Franklin nel 1968 e in questa versione è eseguito dalla stessa Franlkin con cori di Jake, Elwood, Brenda Corbett, Margaret Branch e Carolyn Franlkin, sorella di Aretha, con l'aggiunta del sassofono suonato da Lou Marini. Questa versione è ampiamente più famosa dell'originale.
  
• Theme from Rawhide: originariamente scritto nel 1958 da Ned Washington e Dimitri Tiomkin e cantato da Frankie Laine per la serie televisiva Rawhide (Gli uomini della prateria nella versione italiana). Tra la varie cover che negli anni hanno omaggiato il brano ricordiamo quella dei Litfiba nell'album Pirata del 1989.
  
• Minnie the Moocher: il brano originale era stato scritto e registrato nel 1931 da Cab Calloway che nel film la ripropone a distanza di quasi cinquant'anni in versione sostanzialmente uguale all'originale con la sola aggiunta dei cori della Blues Brothers Band.
  
• Sweet Home Chicago: è uno degli standard blues più noti di tutti i tempi, scritto e registrato da Robert Johnson nel 1936 negli anni è stato interpretato da innumerevoli artisti. Nel film, come dice Jake, è dedicato alla memoria del grande bluesman Magic Sam.
  
• Jailhouse Rock: scritto in origine da Jerry Leiber and Mike Stoller nel 1957 e interpretato da Elvis Presley per la colonna sonora del film omonimo di cui era ovviamente anche l'attore principale.
  

Myrath - Legacy

A cinque anni di distanza dal bellissimo Tales of the Sands tornano i tunisini Myrath con un nuovo album intitolato Legacy pubblicato il 12 febbraio di quest'anno. Il disco è stato anticipato dall'uscita del video del singolo Believer pubblicato il 29 gennaio. Il video vede la band entrare in un negozio di antichità, probabilmente proprio in Tunisia, e mentre i musicisti discutono con il negoziante il cantante Zaher Zorgati (che per oscuri motivi indossa due diverse paia di occhiali da sole a seconda dell'inquadratura) si allontana e trova una clessidra coperta da un panno che si rivela essere una macchina del tempo che trasporta il gruppo nell'alto medioevo in un'ambientazione da Prince of Persia dove Zaher deve scappare da miliziani del sultano che lo vogliono uccidere e correrà nel deserto tra mercanti e splendide danzatrici. Già dal primo video si può capire come la musica proposta dalla band resta fedele al proprio modello con ricche melodie power metal che si mischiano alla musica araba tipica delle loro terre, e oltre alla musica dobbiamo elogiare anche le immagini e i colori del video che sono davvero notevoli, con la tinta della sabbia sterminata del deserto che sembra avvolgere e trasformare tutto ciò che le sta intorno.

L'intero album conferma quanto Believer ha anticipato: i Myrath propongono, così come in Tales of the Sands, del power metal ispirato a modelli come i Symphony X o i Kamelot arricchito dalle sonorità tipiche delle loro terra sia nella musica che nel cantato. I Myrath sono un caso unico nel panorama dell'oriental metal, di cui sono tra i principali esponenti, in quanto non attingono da stili estremi come il black metal o il death metal ma da tradizioni più melodiche creando così una musica ricca di spunti e suggestioni.

Il nuovo album si apre con una traccia introduttiva strumentale intitolata Jasmin dalle sonorità decisamente arabe e lontanissime da ogni forma di metal ed è composto da undici tracce (dodici nell'edizione americana grazie a una bonus track) di cui quattro ballad, Nobody's Lives, Through Your Eyes, I Want to Die e Duat, e le restanti forti e veloci sostenute del potente suono delle chitarre elettriche. E' difficile scegliere brani migliori di altri perché tutti i pezzi sono di buon livello come la band ci ha abituato negli album precedenti; ovviamente i pezzi più interessanti sono quelli con maggiori inserti di musica araba come la già citata Nobody's Lives e Storm of Lies, impreziosite anche da alcune parti cantante il lingua tunisina, e le energiche The Needle, The Unburnt e Endure the Silence.

La bonus track Other Side è un bellissimo midtempo che si differenzia dagli altri pezzi del disco per il suo ritmo che non trova simili tra le altre tracce del disco e coniuga la forte base musicale alla melodia del canto, inoltre il brano è arricchito da un bellissimo coro di voci femminili nell'inciso e rende sicuramente preferibile l'acquisto della versione americana dell'album per non dover rinunciare a questo piccolo gioiello.

Ancora una volta i Myrath sfornano un album sicuramente molto valido che continua sulla strada già tracciata dal gruppo tunisino e offre una bella ventata di novità nel panorama metal mondiale. E vista un'altra volta la qualità e la creatività dei Myrath non resta che sperare che non passino altri cinque anni prima che realizzino un nuovo disco.

Hei Bao - Hei Bao

Gli Hei Bao (黑豹乐队 in ideogrammi cinesi e spesso chiamati Black Panther nei testi occidentali) sono una delle band di punta della scena rock cinese che negli anni 80 e 90 ha prodotto molte formazioni di rilievo. Il gruppo è stato fondato a Hong Kong nel 1987 dal cantante Dou Wei (che dopo il primo album del gruppo avvierà una carriera solista di successo), dal chitarrista Li Tong, dal batterista Zhao Mingyi, dal bassista Wang Wenjie e dal tastierista Luan Shu e ha pubblicato il proprio primo ed eponimo album nel 1992.

Il disco che porta il nome della band è composto da dieci tracce e si apre con il forte e trascinante brano Wu Di Zi Rong (无地自容) che rimarrà negli anni il pezzo più rappresentativo della produzione della band in cui il suono delle chitarre e il potente cantato di Dou Wei mostrano da subito quali sono le caratteristiche distintive del gruppo. La musica degli Hei Bao si basa infatti su un rock graffiante e di grande presa che resta subito in testa e che non necessita di molti ascolti per venire apprezzato. L'album contiene anche ben cinque brani lenti molto melodici in cui anche il suono delle tastiere esce con prepotenza come Kao Jin Wo (靠近我), Pai Ni Wei Zi Ji Liu Lang (怕你为自己流泪), Bie Qui Zao Ta (别去糟蹋), Take Care e Don't Break My Heart (il titolo delle ultime due è riportato in inglese anche sui dischi originali e cantato nella medesima lingua); in particolare quest'ultima è uno dei pezzi migliori dell'album e grazie alle suo sonorità morbide e patinate ricorda molto le ballad di gruppi angloamericani dello stesso periodo. Non mancano anche due brani di rock più allegro e dalle tonalità più festose come Lian Pu (脸谱) e Yan Guang Li (眼光里), ma i migliori restano quelli più energici come la già citata traccia di apertura, Ti Hui (体会) e Bie Lai Jiu Chan Wo (别来纠缠我) che danno modo al cantante di mostrare la sua notevole estensione vocale.

Gli Hei Bao creano un rock divertente e di facile presa e anche grazie alla varietà dei suoni che la band riesce a creare l'album non stanca mai perché non ci sono due brani che si assomiglino. Il primo disco non ha costituito un'eccezione nella produzione del gruppo che da allora continua a sfornare ottimi album di puro rock divertente e trascinante nonostante i numerosi cambi di formazione. Dow Wei infatti abbandonerà il gruppo subito dopo l'uscita del primo album lasciando dapprima il ruolo al tastierista Luan Shu che pure lascerà la band nel 1994 per essere sostituito da altri vocalist. Gli unici che restano tuttora della formazione originaria sono Li Tong, Zhao Mingyi e Wang Wenji che riescono a distanza di quasi tre decenni a dare continuità al suono del gruppo che nonostante il passare degli anni suona ancora fresco ed energico come agli inizi.

I Litfiba con Filippo Margheri

L'articolo è stato aggiornato dopo la pubblicazione iniziale in seguito alla pubblicazione dell'EP "Il Mostro" nell'agosto del 2016.

Piero Pelù e Gianluigi Cavallo non sono gli unici cantanti ad aver ricoperto il ruolo di front-man dei Litfiba nei quasi quattro decenni della loro carriera. Tra l'abbandono di Cabo alla fine del 2006 e il ritorno di Pelù nel 2009 vi fu un breve periodo in cui la band fiorentina ebbe un terzo cantante: Filippo Margheri.

Pochi mesi dopo l'abbandono di Cavallo, Ghigo Renzulli cercò un nuovo vocalist nel tentativo di rilanciare la band e lo individuò nel giovanissimo Margheri, nato a Firenze nel 1980, che era stato fino al 2003 leader di un gruppo underground chiamato MiiR che cantava in inglese.

Il primo brano realizzato dai Litfiba con Margheri fu Effetti Collaterali pubblicato nell'agosto del 2008, un rock graffiante, aspro e in parte anche piuttosto grezzo ma di grande impatto sonoro ed efficacia; Margheri cantava con uno stile proprio, non tentando di imitare i suoi predecessori e il primo brano fu davvero ottimo. Di Effetti Collaterali venne anche realizzato un video in cui si vede la band suonare e nella stanza accanto il cantante che lotta contro un uomo incappucciato che alla fine si scopre essere lo stesso Margheri.

Dopo il primo brano, il gruppo realizzò un EP pubblicato a gennaio del 2009 e diffuso solo in formato digitale intitolato Five on Line registrato in presa diretta e composto da cinque brani: tre inediti e due versioni nuove di brani vecchi. Le due autocover sono Animale di Zona (cantata originariamente da Pelù) e Luce che Trema (cantata originariamente da Cabo) entrambe riproposte in versione sostanzialmente uguale all'originale. Oltre a queste l'EP contiene Effetti Collaterali 1.1, nuova versione del pezzo già edito, l'aggressiva e penetrante Sepolto Vivo e Terra di Nessuno che richiama le sonorità new wave degli esordi del gruppo negli anni 80. Di tutti i cinque brani furono anche realizzati dei video che mostrano semplicemente il gruppo in sala d'incisione che registra i pezzi.

Dopo Five on Line i Litfiba pubblicarono anche i brani Sepolto Vivo 2.0, nuova versione del brano dell'EP a cui sono aggiunti vari suoni in post produzione tra cui l'introduzione al pianoforte e la seconda voce nel ritornello, e Rabbia in Testa che prosegue sulla strada del rock graffiante che ha caratterizzato la musica della band fiorentina in questo breve periodo.

Alla pubblicazione dell'EP e delle due nuove tracce avrebbe dovuto seguire un tour di promozione ma alla fine i concerti furono solo due nel settembre del 2009: uno ad Aosta e uno a Modena. In queste date la band propose un nuovo brano inedito intitolato Il Mostro, un rock veloce che pur non discostandosi molto dalle produzioni dei Litfiba di quel periodo sembra un collage di altri brani scritti in precedenza come Resta o Gira nel mio Cerchio. La versione de Il Mostro registrata in studio è stata pubblicata solo nell'agosto del 2016 dal Ghigo Renzulli Fan Collaborative all'interno di un EP che porta il titolo stesso del pezzo inedito e che contiene anche Mr. Hyde, Oceano, Luce Che Trema e Sottile Ramo registrate dal vivo al concerto di Aosta il 6 settembre del 2009.

Purtroppo questo breve esperimento non raccolse l'interesse dei media e dei fan e a novembre del 2009 il gruppo annunciò la chiusura di questa fase e la sospensione delle attività. Non possiamo dire che si tratti di un'occasione sprecata perché l'abbandono di Margheri fu quasi contestuale al ritorno di Pelù avvenuto il mese dopo, ma sicuramente Filippo si dimostrò ampiamente all'altezza della prova e bravissimo come cantante e come autore. In realtà non sapremo mai se Margheri sarebbe stato in grado di scrivere e registrare con Renzulli un intero album, ma sappiamo per certo che i pochi brani che ha scritto e inciso sono ottimi e che è un vero peccato che un talento di questa portata resti ai margini della scena musicale.