Alexandra Burke - The Truth Is

Dopo due album in stile dance e dopo una lunga militanza nel mondo dei musical con The Bodyguard, Sister Act, Chicago e Chess, Alexandra Burke è tornata nel 2018 con un nuovo album di puro R&B e soul, genere che le si addice sicuramente più del dance-pop degli esordi, dal titolo The Truth Is. Questo nuovo LP vede anche il passaggio di Alexandra Burke dalla Syco Music alla storica etichetta Decca che dal 1929 produce alcuni dei migliori musicisti di ogni tempo.

L'album è composto di undici tracce contraddistinte, come è abbastanza ovvio, da sonorità eleganti e patinate che mettono in luce al meglio le straordinarie doti vocali della cantante. I pezzi che compongono il disco vedono una predominanza di brani melodici, tra cui troviamo il singolo Shadow di cui è stato realizzato un video. Il disco offre anche una notevole varietà di suoni come nell'ottima Say We'll Meet Again che vede la presenza come ospite di Ronan Keating e in cui la strumentazione abituale è sostituita da piano e archi. Sonorità più allegre e spensierate si trovano invece nell'allegra Summer e in Maybe It's Love che vira decisamente verso il reggae grazie anche alla strumentazione caraibica. Alexandra si concede anche uno sconfinamento nel gospel con You’re Worth Holding On To impreziosita da un battito di mani sulla strofa e dalla presenza del coro sul ritornello.

Tra le ballad più tradizionali troviamo anche la title track in cui Alexandra dà particolarmente sfoggio della propria estensione e del proprio vibrato, oltre a Believe e al brano di chiusura Without You che è sicuramente il pezzo del disco che più mette in luce la potenza canora di questa straordinaria vocalist. Nell'album non mancano un paio di momenti pop più veloci con la melodica traccia di apertura All The Things You Are e con l'allegra In The Rain.

Completa il disco l'onirica cover di All I Need degli Air, che Alexandra trasforma dal chillout elettronico dell'originale in un pezzo R&B nel sul stile distintivo dando ovviamente maggiore spazio alla linea vocale.

Con The Truth Is Alexandra Burke compie un notevole passo in avanti e il passaggio a un'etichetta come la Decca non può che aver giovato alla cantante britannica. Grazie a questo terzo album Alexandra riesce sicuramente ad affrancarsi dall'etichetta di "vocalist uscita da X-Factor" e dimostra di avere grandi doti compositive oltre a quelle interpretative, ed essendosi finalmente liberata di una definizione che le andava stretta da tempo si assesta senza dubbio tra le migliori voci dell'R&B contemporaneo.

Bo Diddley - The London Bo Diddley Sessions

Dopo Howlin' Wolf, Muddy Waters, B.B King e Chuck Berry, anche Bo Diddley all'inizio degli anni 70 decise di realizzare un album nella capitale del Regno Unito, avvalendosi della collaborazione di alcuni tra i migliori musicisti inglesi dell'epoca per mischiare la propria produzione alle sonorità del blues bianco europeo.

Il risultato di questa mescolanza è stato pubblicato nel 1973 con il titolo di The London Bo Diddley Sessions. L'album è composto da nove tracce che offrono un perfetto connubio di blues, rock e funk ricco di strumenti a fiato e di percussioni atipiche come conga e tamburello. Nella formazione di musicisti che hanno realizzato il disco non si trovano nomi di spicco, contrariamente a quelli dei quattro colleghi di Bo Diddley che hanno realizzato prima di lui album londinesi, ma questo non inficia minimamente la qualità della musica, che al contrario rimane ottima e fresca per tutta la durata dell'LP.

Il disco parte con uno dei propri pezzi migliori con Don't Want No Lyin' Woman sostenuto da un ritmo incalzante e che offre un portentoso duetto tra Bo Diddley e la vocalist Cookie Vee, che presta la sua voce anche in Going Down e Sneakers on a Rooster). Il disco prosegue con una nuova versione di Bo Diddley (pezzo che porta il nome stesso dell'autore inciso inizialmente in 45 giri nel 1955) dal testo diverso rispetto alla versione originale.

La seconda metà dell'album propone pezzi più orientati al funk, come Husband-In-Law, Do the Robot e Get Out of My Life. Tra le tracce migliori troviamo anche la strumentale Bo-Jam, basata interamente sulla chitarra suonata dallo stesso Bo Diddley, e la già citata Sneakers on a Rooster in cui il piano suonato da Tennyson Stephens duetta con la sezione dei fiati e che vede di nuovo Cookie Vee affiancare Bo Diddley alla voce.

Nonostante in rete si legga spesso che The London Bo Diddley Sessions è stato registrato per la maggior parte a Chicago con solo qualche traccia registrata a Londra per giustificare il titolo, il booklet della versione in CD riporta invece che solo Going Down, Husband-In-Law e Sneakers On A Rooster sono state incise nella metropoli dell'Illinois e che la maggior parte dei pezzi è stata incisa proprio a Londra. In ogni caso, questo The London Sessions è un ottimo esempio di commistione di tra le scene musicali dei due lati dell'Atlantico di inizio anni 70. L'album ha un suono innovativo e divertente, non conosce momenti bassi e si ascolta con piacere per tutta la sua durata ed una delle tante pietre miliari del blues e del rock 'n' roll realizzate da questo straordinario musicista.

Leize - Deriva

A poco più di tre anni dal precedente Cuando Te Muerden tornano i baschi Leize con un nuovo album in studio intitolato Deriva. Rispetto al disco precedente la formazione della band vede una sola modifica, con l’ingresso del chitarrista Mikel Lazkano in sostituzione di Patxi Carrasco che è stato uno dei fondatori della band nel lontano 1982.

Per questo nuovo lavoro i Lezie ripropongono il proprio marchio di fabbrica senza distanziarsi molto dal modello originale, proponendo quindi un rock urbano (sottogenere del rock spagnolo) fatto di basi hard rock grezze ed essenziali e testi che parlano di tematiche sociali, relative soprattutto alla vita delle classi più povere.

Il nuovo album, così come i precedenti, è composto da sonorità ruvide, dirette e sanguigne e dal canto aspro del vocalist Felix Lasa a cui spesso si aggiungono i tre musicisti in poderosi cori, soprattutto nei ritornelli. Tra le dieci tracce del disco si trova ovviamente una predominanza di pezzi veloci; ritmi più lenti si trovano nell'unica ballad Calle 38 e nella melodica Dame Tu Mano contraddistinta da un coro sul ritornello particolarmente ricco.

Il disco vede anche la presenza di due ospiti. Il primo di questi è il chitarrista degli Avalanche (che in passato ha militato anche nei Mägo de Oz) Jorge Salán che partecipa alla grintosa Mi Lugar, pezzo più trascinante del disco grazie proprio all'energico suono della chitarra e anche al coinvolgente ritornello. Inoltre Alberto Marin è ospite in No Me Da La Gana che si avvicina notevolmente al metal grazie proprio alla partecipazione del chitarrista degli Ankhara.

Tra i pezzi migliori troviamo sicuramente anche la potente traccia di apertura Castigo e Dime Lo Que Quieres che si distingue per un ritmo vicino al punk e per le atmosfere generalmente più leggere rispetto al resto del disco.

Con questo nuovo album i Leize realizzano l’ennesima gemma di rock della loro discografia che è purtroppo sconosciuta al di fuori del loro paese, nonostante la qualità non manchi e al contrario è sempre rimasta alta in tutte le loro produzioni. E’ un vero peccato che questa ottima band goda di così poca considerazione al di fuori della Spagna, per ora non resta che sperare che Deriva serva a regalare loro un po’ di visibilità in più oltre ai confini iberici.

La discografia solista di Freddie Mercury

Il nome di Freddie Mercury è indissolubilmente legato a quello dei Queen, eppure durante la ventennale carriera del quartetto, il vocalist riuscì a realizzare numerose incisioni soliste trovando spazio nella fitta discografia del gruppo.

In realtà la prima registrazione solista di Freddie Mercury risale a prima ancora che i Queen si formassero con il singolo I Can Hear Music realizzato con lo pseudonimo di Larry Lurex. Il 45 giri conteneva la cover dell’omonimo brano delle Ronettes (portato al successo anche dai Beach Boys) e come B-side la cover di Goin’ Back di Gerry Goffin e Carole King. Tuttavia al progetto di Larry Lurex presero parte anche Brian May e Roger Taylor ed è quindi forse più corretto considerare il disco come la prima incisione della band che si stava formando, piuttosto che un disco solista di Freddie Mercury

La prima incisione solista di Freddie Mercury dopo l’esordio discografico dei Queen risale al 1984 con il brano Love Kills realizzato per la colonna sonora di Giorgio Moroder del leggendario film muto Metropolis del 1927. L’anno seguente Freddie realizzò quello che resta tuttora il suo unico album solista dal titolo Mr. Bad Guy. L’album contiene tutti i pezzi più celebri della discografia solista del cantante, come la title track, I Was Born to Love You, Foolin’ Around e Your Kind of Lover. Ciò che distingue maggiormente questo album dalle incisioni dei Queen è che le basi sono generalmente più semplici, le chitarre hanno un ruolo meno predominante e le sonorità si allontanano dal rock per muoversi verso il pop o la disco, come testimoniato da pezzi come Let’s Turn it On o Living On My Own. Nel disco troviamo anche un esperimento di reggae con My Love Is Dangerous e non mancano ballad più tradizionali come Made in Heaven, Love Me Like There's No Tomorrow e There Must Be More To Life Than This.

Due tracce di questo album, Made in Heaven e I Was Born to Love You, furono poi inserite nell’ultimo album dei Queen con Freddie Mercury alla voce, cioè il postumo Made in Heaven del 1995. Per l’occasione la band reincise le basi rendendole più simile allo stile dei Queen grazie ad arrangiamenti più vicini al rock.

L’anno seguente Freddie prestò la voce a due tracce nel concept album Time di David Clark, la title track e In My Defence, due power ballad di ottima fattura che mettono perfettamente in luce le straordinarie doti canore del cantante. Nel 1987 Freddie Mercury realizzò un altro dei suoi singoli più celebri, la sontuosa cover di The Great Pretender dei Platters il cui B-side è l’altrettanto celebre Exercises In Free Love. Come dice il titolo stesso questa seconda traccia è un esercizio canoro in cui Freddie esegue un vocalizzo, su una base suonata al piano da Mike Moran, imitando una voce da soprano, il pezzo fu infatti immaginato per la voce di Monserrat Caballé con cui l’anno seguente avrebbe inciso Barcelona.

Barcelona resta la più celebre incisione di Freddie Mercury senza i Queen, l’album è composto da otto tracce che coniugano sapientemente le capacità vocali di questi due incredibili cantanti così diversi ma che si amalgamano benissimo. Oltre alla title track, scritta per celebrare le Olimpiadi di Barcellona del 1992, il disco contiene altri capolavori realizzati con lo stesso stile, come La Japonaise in cui i due cantano anche in giapponese, The Golden Boy impreziosita dalla presenza di un corposo coro gospel e How Can I Go On che vede la presenza di John Deacon al basso.

L’LP realizzato con Monserrat Caballé fu anche l’ultima pubblicazione di Freddie Mercury senza il resto del Queen prima della sua morte sopraggiunta nel 1991. Dopo il decesso del cantante sono state pubblicate molte compilation che raccolgono i suoi successi solisti, la prima di esse è The Freddie Mercury Album del 1992 che contiene sette remix di pezzi già editi più le versioni originali di Barcelona, Love Kills, Exercises in Free Love e The Great Pretender. Nel mercato americano la compilation fu sostituita da un’altra intitolata The Great Pretender in cui anche la title track e Love Kills sono in versioni remixate, il disco presenta anche una versione diversa di Mr. Bad Guy, manca Barcelona e al suo posto si trova un remix di My Love Is Dangerous. Inoltre vi si trovano due versioni di Living On My Own.

L’anno seguente fu pubblicata una compilation di soli sei pezzi intitolata Remixes, che come dice il titolo stesso contiene dei remix dei pezzi pubblicati da Freddie in vita. Tra le tracce del disco si trovano due versioni di Living on My Own (una delle quali è stata pubblicata anche in singolo) e una versione hard rock di My Love is Dangerous (la stessa pubblicata sulla compilation The Great Pretender) che si allontana tantissimo dalla versione contenuta su Mr Bad Guy.

Nel 2000 fu pubblicata la raccolta The Solo Collection composta da dodici dischi che contiene tutti i singoli completi di B-side, demo e versioni inedite. Nel 2006 uscì la compilation doppia Lover of Life, Singer of Songs che contiene nuove versioni di Love Kills e Living on My Own oltre a una demo di Mr. Bad Guy mai pubblicata prima. Nel 2016 fu data alle stampe quella che è ad oggi l’ultima raccolta dedicata all’attività solista di Freddie Mercury dal titolo Messenger of the Gods: The Singles che ha il merito di recuperare un altro pezzo fino ad allora inedito: la versione di Exercises in Free Love cantata da Montserrat Caballé.

Vista l’ampia mole di bootleg e la lunga lista di pezzi mai pubblicati, è molto probabile che la discografia solista di Freddie Mercury non si esaurisca qui e che in futuro possano emergere altre registrazioni. Nel frattempo non resta che ascoltare quelle pubblicate fino ad oggi, in cui Freddie Mercury ha dato più spazio alla propria creatività creando spesso sonorità molto lontane da quelle che ha realizzato con il resto del suo celebre quartetto ma ovviamente altrettanto geniali e memorabili.

Intervista ai Cayne

I milanesi Cayne sono una delle realtà più interessanti del gothic metal italiano, in attività da due decenni hanno realizzato durante la loro carriera tre album e due EP. Per parlare del loro album più recente Beyond The Scars e di molto altro, i Cayne hanno accettato la nostra richiesta di un'intervista che pubblichiamo di seguito.

Ringraziamo i Cayne per la loro cortesia e disponibilità

125esima Strada: Iniziamo parlando del vostro nuovo album Beyond The Scars. Come sono nati i pezzi dell’album? Cosa c’è dietro la nascita di questo disco?

Cayne: Innanzi tutto grazie di darci la possibilità di parlare di noi e del nostro ultimo lavoro.

Questo album nasce innanzitutto dalla nostra forte passione per la musica che, complice una forte motivazione a trovare riscatto dalle molte avversità che abbiamo dovuto attraversare (come band così come nelle nostre vite private), è sfociata in una nuova fase creativa che ci ha coinvolti tutti quando ci siamo ritrovati in sala prove per lavorare sulle idee che ognuno di noi aveva preparato da solo a casa.

A differenza del passato c’è stato molto più lavoro corale sulla stesura delle parti musicali, mentre la stesura dei testi è stata affidata interamente a Giordano [Adornato, cantante dei Cayne N.d.R.]. Ci siamo presi il tempo necessario per lavorare più a lungo tutti insieme sulla maggior parte delle partiture e sugli arrangiamenti, inserendo ognuno di noi il proprio gusto e le proprie emozioni.

Se da un lato all'inizio eravamo emozionati e un po’ spaventati, devo dirti che mano a mano che il lavoro procedeva, il nostro entusiasmo cresceva sempre di più e i timori iniziali si sono subito dileguati. Tutto questo ha creato un clima di affiatamento e di intesa mai sperimentati prima (prima si lavorava molto di più stand alone, scambiandoci i file via mail).

Sembra una frase fatta ma credimi, non è così. Siamo molto soddisfatti del risultato finale, ottenuto dall'affiatamento e grazie alla produzione affidata a Diego Minach (il nostro chitarrista) che ha saputo cogliere da tutti noi il meglio, lasciandoci "sperimentare” e mettendoci a nostro completo agio durante tutte le fasi delle recording sessions. E’ stato veramente stimolante e gratificante e tutto questo è stato interamente riversato nelle tracce: credo che questo “flusso positivo” si percepisca durante l’ascolto dell’album.


125esima Strada: All'interno dell’album ci sono pezzi a cui siete più legati? Se sì, perché?

Cayne: In realtà per vari aspetti siamo ovviamente legati ad ognuno dei dodici pezzi che compongono Beyond The Scars, perché ognuno di essi racconta un po’ di noi e delle nostre “visioni”, c’è dentro tanto lavoro e molta passione. Se dovessimo però citare alcuni brani ai quali siamo più legati ti direi sicuramente la opening track, No Answers From The Sky perché lo abbiamo sviluppato partendo da un arpeggio che ci ha lasciato Claudio [Leo, ex chitarrista e fondatore della band, scomparso nel 2013 N.d.R.] e che fino ad ora non avevamo ancora trovato il giusto equilibrio emotivo per riprendere e finalmente sviluppare.

Poi senza dubbio The Asylum Of Broken Hope che è nata da Diego e che, quando ce la fece sentire la prima volta in sala prove, ci fece capire che avevamo finalmente ritrovato il giusto feeling tra di noi e che eravamo pronti per tuffarci nella meravigliosa avventura della scrittura del nuovo album.


125esima Strada: Parliamo anche di qualcosa di più vecchio. Uno dei miei pezzi preferiti dei Cayne è Little Witch; qual è la storia di questo brano?

Cayne: La parte musicale è nata da un arpeggio di Claudio Leo che è stato poi completato con tutta la band in sala prove. La melodia della parte cantata e il testo è stato scritto da Giordano (come tutti i testi dei nostri album) e parla sostanzialmente di una bellissima e morbosa “gothic girl”, una piccola irresistibile streghetta sexy che ti rende schiavo del suo fascino.


125esima Strada: Come è nata l’idea di usare il violino nel metal? Secondo me è un’ottima scelta che crea un bellissimo effetto, ma mi sembra anche una scelta molto singolare.

Cayne: Sì, è sicuramente una scelta singolare, anche se non del tutto inedita, ma le sonorità del violino che si mischiano e si contrappongono ai “classici” solo di chitarra creano una miscela sonora affascinante e che non passa certamente inosservata. Quindi direi che è nata dalla volontà di provare a creare nuove sonorità e di portare qualcosa di nuovo che esca un pochino dei soliti cliché di genere.


125esima Strada: Non avete mai pensato di cantare in italiano? Potrebbe essere un esperimento interessante, non siete d’accordo?

Cayne: In realtà non ci abbiamo mai seriamente pensato, come dici tu potrebbe forse essere un esperimento interessante… chissà magari potremmo osare in futuro e diventare, che ne so, i nuovi Litfiba o Timoria. Eheheheh.

No, a parte gli scherzi credo sia più difficile riuscire ad amalgamare il nostro sound con le sonorità tipiche della nostra lingua… per ora alcuni di noi a volte si cimentano a cantare qualcosa in italiano durante i sound check delle voci prima di un live, ma questo è solo per puro divertimento ;-)


125esima Strada: Chi sono i musicisti di ogni tempo che vi hanno influenzato di più?

Cayne: Le influenze arrivano veramente da ogni tipo di genere e da ogni tipo di musicisti: siamo tutti ovviamente fan dei classici gruppi rock, hard rock e metal che inevitabilmente ci portiamo nel nostro background, poi ognuno di noi ha le sue influenze che vanno dalla classica al prog, al metal estremo passando per elettronica, folk, pop, fusion e per qualunque tipo di buona musica esista. Ahahahah.

Ognuno di noi ha poi propri “eroi” tipo Plant, Coverdale, Steve Vai, Satriani, Paco de Lucia, Tommy Emmanuel, Marc Wood, Steve Harris, Jaco Pastorius (giusto per citarne qualcuno). Tutte queste influenze variegate e provenienti da ogni genere vengono inconsciamente rielaborate ed amalgamate insieme, contribuendo a dar vita al sound dei Cayne.


125esima Strada: E nella scena musicale attuale chi sono i vostri preferiti?

Cayne: Sono tantissimi, ci piace ascoltare qualunque nuova band che proponga buona musica e che riesca a catturare la nostra attenzione, non necessariamente dal punto di vista della tecnica, ma soprattutto che sappia trasmetterci emozioni. Se devo citarne qualcuna tra le ultime band, in senso temporale, che ci piacciono ti direi Blackberry Smoke, Katatonia, Rival Sons, Vola, Ghost, Haken, Monuments, White Lies, e un sacco d’altri, ahahahah.

125esima Strada: Cosa pensate dello stato di salute del rock in Italia al giorno d’oggi?

Cayne: Direi che il “rock” nel senso più lato del termine ancora funziona e anzi, per alcuni versi, è pure molto “di moda” (mi vengono in mente i sold out di mega band tipo AC/DC o Metallica). Se pensi alla situazione in Italia ci sono tantissime band là fuori nascoste per lo più negli scantinati e nelle sale prove, alla ricerca di una posto dove potersi esprimere e confrontarsi. La vera difficoltà che vediamo sta nella possibilità di trovare luoghi dove potersi esibire e nella difficoltà di riuscire ad arrivare al pubblico, nel senso che sembra che ci sia molto meno seguito per le realtà meno conosciute o, per così dire, dell’underground. Non sono in grado di dirti quali siano le cause, sicuramente un insieme di fattori concomitanti che limitano molto le possibilità di riuscire a farsi conoscere.


125esima Strada: Parliamo di tecnologie. Cosa pensate dell’uso di internet per diffondere la musica?

Cayne: Se da un lato la diffusione di piattaforme tipo Deezer o Spotify, giusto per citarne solo alcune, ha consentito a chiunque di poter rendere disponibile la propria musica praticamente a tutti creando “l’illusione” di poter essere visibili al mondo intero, di fatto se non ci sono a supporto campagne di marketing e targetizzazione mirate (e costose) equivale ad essere un granello di sabbia in un oceano. E’ molto difficile che qualcuno che non ti conosca direttamente o per passaparola possa arrivare alla tua musica, anche se playlist e comunanza di generi possono in piccola parte veicolare fino a te l’ascoltatore che ha gusti affini alla tua proposta.

Per non parlare poi delle royalties che sono praticamente pari a zero: a una band non mainstream (per non dire sconosciuta) queste piattaforme non restituiscono praticamente nulla in termini di proventi dovuti come diritti di copyright sulla diffusione della propria musica. Se a questo poi si aggiunge che le quote devono essere spesso ulteriormente ripartite tra editore, compositore ed autore non resta praticamente nulla.


125esima Strada: Cosa avete in serbo per il futuro? Quando potremo ascoltare il vostro prossimo album?

Cayne: Per ora vorremmo trovare nuovi canali e circuiti che ci possano far conoscere a nuovi possibili fan e continuare la promozione di Beyond The Scars. Per un nuovo album è ancora presto per dire quando sarà pronto, abbiamo da parte alcune idee che sono a livello embrionale e che svilupperemo con la dovuta calma tutti insieme in sala prove, così come abbiamo fatto con Beyond The Scars e il risultato a noi è piaciuto tanto, e speriamo sia cosi anche per chi lo ascolterà.

Grazie ancora e stay addicted to Cayne! ;-)

Pierre Edel: rock 'n' roll tra Parigi e Mosca

Che un cantante di valore partecipi a un talent show è un evento raro, che un cantante fenomenale ne faccia addirittura quattro è un evento unico nella storia. E’ questo il caso del vocalist francese Pierre Edel che ha partecipato a ben quattro edizioni di The Voice (in Francia nei primi mesi del 2014, in Russia nell’autunno dello stesso anno, in Ucraina nel 2016 e in Belgio nel 2018) e le sue interpretazioni di Whole Lotta Love, The House of the Rising Sun (due volte) e Sweet Child o’ Mine alle blind auditions sono tra le più apprezzate della storia di questo format. Nelle sue esibizioni al famoso talent show, Pierre ha dato ampio sfoggio della sua voce potente e della sua estensione e anche di una buona ecletticità, sapendo interpretare classici del rock, ma anche muovendosi bene in terreni più pop interpretando Bennie and the Jets di Elton John o Gimme! Gimme! Gimme! degli ABBA.

Pierre Edel è nato a Parigi nel 1987 da padre francese e madre russa e ha vissuto tra Parigi, Mosca, Londra, India e Ucraina e il contesto multiculturale in cui è vissuto influenza notevolmente la sua produzione musicale. Inoltre Pierre parla russo e francese madrelingua e questo spiega le sue connessioni con il mondo russo.

L’attività discografica di Pierre Edel ha preso le mosse ben prima della sua partecipazione a The Voice, quando nel 2013 realizzò una cover di Love Child dei Deep Purple, stampata al tempo anche su CD single. L’anno dopo Pierre Edel formò un duo con il chitarrista russo Sergey Mavrin dal nome Show Time e questa inedita accoppiata realizzò un EP dal titolo Press Your Fucking Delete Key dai suoni smaccatamente crossover, con basi vicine al metal e con Pierre alterna il canto al rap.

La collaborazione tra i due è continuata e nel 2015 quando incisero una cover di Geroy Asfalta (Герой асфальта) degli Aria, dall’album omonimo del 1987, di cui lasciano inalterata la melodia senza rinunciare a rendere più moderne le sonorità dal metal classico originale. In questa prova Pierre regge benissimo il confronto Valery Kipelov, pur avendo una voce notevolmente più acuta e molto diversa dal vocalist degli Aria. Per l’occasione il brano è stato inciso anche in francese con il titolo di Le Héros de l'Asphalte e con il testo tradotto dallo stesso Pierre. Nello stesso anno Pierre ha prestato la voce cantando in sanscrito nel brano Govinda nell’album Neotvratimoye (Неотвратимое) dei Mavrin, band fondata proprio da Sergey Mavrin.

Due anni dopo Pierre ha inciso il proprio primo album solista disponibile interamente su Soundcloud, in cui oltre a cantare con il suo timbro inconfondibile suona la chitarra, il basso e anche la tastiera in alcuni pezzi. Lo stile musicale di questo album è chiaramente ispirato ai modelli classici del rock degli anni 70 e degli anni 80 e il punto di forza di queste incisioni risiede sicuramente nelle notevoli capacità canore di Pierre, visto che il vocalist fa ampio sfoggio di acuti e di vibrato, che sono le doti migliori già messe in luce a The Voice e nelle sue produzioni precedenti.

Il disco parte alla grande con Ruins of Love il cui grintoso riff di chitarra è ispirato ai fondatori dell’hard rock come i Deep Purple o i Black Sabbath; le stesse atmosfere settantiane si trovano anche in Shower of Tears. Le influenze sulla musica di Pierre Edel non si esauriscono agli anni 70, visto che nell’album si trovano anche sonorità ottantiane e marcatamente AOR come in Snakewheel Ambustion e Return to the City of Love, dove la città dell’amore del titolo è ovviamente Parigi. Tra i pezzi dal sapore anni 80 si trova anche Chemistry of Love che di distingue per l’intro acustico dalle suggestioni caraibiche. Nell’album non manca una spruzzata di funk, con 66Sex, e nemmeno qualche momento più d’atmosfera con le power ballad Electric Bridge e Breaking Chains che chiude il disco.

Sul canale YouTube di Pierre Edel si possono trovare le versioni acustiche di Electric Bridge, Chemistry of Love oltre a un pezzo inedito intitolato Tu M’as Tout Dit, una ballad in cui troviamo il vocalist cantare in francese, dando così un tocco di originalità a questo pezzo dai ritmi lenti.

Nonostante sia poco noto al di fuori del mondo francofono e russofono, se non per le performance a The Voice, Pierre Edel è una delle realtà più interessanti del rock contemporaneo grazie a una voce singolare e molto versatile, e anche alla sua capacità compositiva riscontrabile nei suoi pezzi originali. Non resta che sperare che il grande pubblico si accorga di questo enorme talento e magari il mezzo per farsi conoscere potrebbe essere quello di allungare la lista dei talent show a cui ha partecipato.

La Mercury racconta i Queen - Milano, 19/1/2019

Se La Mercury racconta i Queen si ferma per una serata a Milano, l'evento è di quelli imperdibili. Lo dice il titolo stesso, la serata vedrà i classici di un quartetto leggendario del passato reinterpretati da un gruppo di musicisti leggendari di oggi. E allora vale proprio la pena di addentrarsi nel cuore del capoluogo, tra il freddo e il traffico, e sfidare il dedalo di strade tra cui la ricerca di un parcheggio sembra dover durare through the eons and on and on.

Il piano interrato del The Boss, il locale che ospita l'evento, ha una grande sala per concerti che questa sera è sold out al punto che tanta gente è costretta a seguire il concerto in piedi o seduta sui tavoli in fondo alla sala. Il trio apre lo spettacolo intorno alle 22:30, con l'ideatrice Francesca Mercury (il cui cognome d'arte rende omaggio proprio al vocalist dei Queen) nel ruolo di narratrice e corista, accompagnata da Giacomo Voli, vocalist dei Rhapsody of Fire, alle voci principali, alla tastiera e alla chitarra acustica, e Nik Messori, ex chitarrista di Gianluca Grignani, alla chitarra elettrica e alle seconde voci.

A partire dalle prime note si è capito che lo spettacolo che stava per iniziare era qualcosa di straordinario e mai visto prima, con Francesca che racconta piccoli stralci della vita dei Queen e curiosi aneddoti su Freddie Mercury e la sua band, e la narrazione di queste pillole di storia è alternata alle canzoni della band interpretate in quest'occasione in acustico. Può sembrare impossibile replicare in acustico gli arrangiamenti dei Queen così ricchi di orchestrazioni e sonorità teatrali, eppure questo terzetto ci riesce alla grande, quasi con facilità, come una macchina rodata che si muove alla perfezione, con Giacomo Voli in una serata perfetta che regala la sua ennesima interpretazione stellare. Del resto Giacomo è tra i pochissimi cantanti al mondo degni di raccogliere l'eredità del compianto Freddie e lo dimostra in tutti i pezzi, dai più semplici (ammesso che ne esistano) fino ai più difficili come Somebody to Love o Who Wants to Live Forever.

Questo inedito trio spazia attingendo i brani dalle due decadi di attività dei Queen, dal primo album che prende il nome stesso della band fino a Innuendo del 1991. Il pubblico risponde con il calore che questa iniziativa merita, cantando tutti i pezzi insieme al vocalist, scandendo il ritmo con il battito delle mani e con lo schiocco delle dita nella chiusura di Under Pressure. Tra un pezzo e l'altro Francesca racconta la genesi delle canzoni e spiega molte curiosità sulla produzione musicale del gruppo, come il fatto che It's a Hard Life contenga snippet di vari pezzi d'opera o per quale motivo One Vision si chiuda con il verso fried chicken. Nella setlist non può mancare Bohemian Rhapsody, che il terzetto la esegue in un medley con Killer Queen e The March of The Black Queen, riproponendo l'esperimento inventato proprio dai Queen a partire dal live in Hyde Park del 1976. A riprova delle incredibili capacità vocali di Giacomo Voli, il trio esegue Bohemian Rhapsody includendo anche l'intro a cappella, che nemmeno Freddie cantava dal vivo.

Purtroppo, come dice anche Francesca la cui passione per il racconto è tangibile, è impossibile eseguire tutta la discografia dei Queen in una sera, o saremmo rimasti lì fino alla mattina dopo, e quindi il concerto deve volgere al termine dopo aver ascoltato i pezzi più famosi della lunga discografia della band. In chiusura Francesca, Giacomo e Nik eseguono We Will Rock You, con il pubblico che scandisce il ritmo battendo i piedi e le mani, seguita da We Are The Champions, quasi come fossero un pezzo unico, così come si trovano anche nell'album News of the World da cui sono tratte.

E mentre usciamo di nuovo tra le strade di Milano in mezzo al viavai del capoluogo lombardo viene da chiedersi se le persone che percorrono le vie del centro hanno idea dello spettacolo a cui noi abbiamo assistito al piano interrato del The Boss. Probabilmente no, ma noi che siamo appena usciti da lì sappiamo che la musica dei Queen non smette di stupire e di unire; se poi è interpretata da alcuni tra i migliori musicisti di questa epoca che aggiungono la propria creatività a quella di Freddie e dei suoi tre soci è ancora meglio.